Los años 1973 a 1975 fueron un período excepcionalmente creativo. En este período los cineastas continuaron explorando nuevos temas profundos y desafiantes que llevaron la ciencia ficción a nuevos territorios. Continuamos analizando las películas más influyentes y destacadas que dieron forma a la ciencia ficción tal como la conocemos.
Prepárate para un viaje en el tiempo que nos llevará a mundos alternativos, galaxias lejanas y reflexiones sobre la naturaleza humana.
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EL DORMILÓN
Título original: Sleeper
Director: Woody Allen
Año: 1973
País: Estados Unidos
La trama se desarrolla en un mundo donde la sociedad ha sufrido cambios radicales y absurdos. Allen idea un futuro lleno de tecnología extravagante, una dictadura sanitaria y una burocracia despiadada. Miles, su personaje protagonista, intenta adaptarse a este extraño mundo cuando se ve envuelto en una misión para ayudar a una resistencia clandestina a derrocar al gobierno opresor.
La película combina ingeniosos diálogos, humor inteligente y una crítica satírica hacia la sociedad y la tecnología. La interpretación de Woody Allen es carismática, con su característico estilo cómico.
“Sleeper” es una creación sumemente original en la que a través de una lente humorística se tocan temas temas serios. Allen pone de relieve la importancia del amor y las relaciones interpersonales frente a una sociedad cada vez más tecnificada, burocratizada y deshumanizada impuesta por los gobiernos.
Algunas de sus referencias culturales están ancladas a la época en que fue rodada, pero continua siendo una película entretenida que ha dejado su poso en el cine, sin quizá haber recibido toda la atención que realmente merece.
Sinopsis: Miles Monroe es un hombre congelado criogénicamente en el siglo XX que despierta 200 años después en un futuro distópico. En este mundo extraño, se encuentra envuelto en una misión para ayudar a la resistencia a derrocar al gobierno opresor.
ALMAS DE METAL
Título original: Westworld
Director: Michael Crichton
Año: 1973
País: Estados Unidos
Michael Crichton escribió y dirigió está película partiendo de la fascinante premisa de un parque temático futurista en el que interaccionan humanos y androides. Presenta un futuro donde la tecnología avanzada puede descontrolarse y crear situaciones caóticas. La representación de los androides como seres casi humanos y su posterior descontrol añaden una capa de suspenso y tensión a la trama. Además anticipa la idea de parques temáticos de realidad virtual y la inteligencia artificial mucho antes de que se convirtieran en temas populares en la cultura popular.
El guion de “Westworld” es de lo mejor de la película y está muy bien estructurado. Ofrece una progresión emocionante a medida que los protagonistas se ven atrapados en un mundo que inicialmente parecía un paraíso escapista. En el aire quedan las habituales preguntas morales y éticas sobre el papel de la tecnología y la responsabilidad humana en su desarrollo.
Algunos efectos especiales puedan verse algo anticuados, pero aguantan bastante bien el tipo. El trabajo en las actuaciones del duo protagonista es notable, con Richard Benjamin y James Brolin retratando el asombro y el terror que experimentan los visitantes ante la revuelta de los androides. Excelente también Yul Brynner como el implacable androide Gunslinger, una actuación icónica que contribuye a la tensión creciente de la película.
Sinopsis: Un futurista parque temático de vacaciones llamado Delos ofrece a los visitantes la oportunidad de experimentar tres mundos diferentes habitados por androides realistas: el Oeste Salvaje, la Antigua Roma y la Europa Medieval. Dos amigos deciden aventurarse en el mundo del Oeste Salvaje, pero lo que debería ser una experiencia divertida se convierte en una pesadilla cuando los androides comienzan a malfuncionar y se desata el caos.
CUANDO EL DESTINO NOS ALCANCE
Título original: Soylent Green
Director: Richard Fleischer
Año: 1973
País: Estados Unidos
Charlton Heston protagoniza una historia que se desarrolla en un futuro sobrepoblado y contaminado donde la gente depende de un sustituto de comida, el Soylent Green. La representación sombría que la película hace del futuro es una crítica sobre la deriva social y los desafíos que se preveían sobre la sobrepoblación y la degradación ambiental o las consecuencias del poder corporativo descontrolado.
Soylent Green trataba de generar conciencia sobre la sostenibilidad y las preocupaciones éticas relacionadas con la producción de alimentos. Y además lo hace de una forma entretenida. Algunas imagenes son impactantes, como las escenas donde Heston se abre paso a través de escaleras abarrotadas de gente hacinada. La trama conduce a un clímax sorprendente que invita a reflexionar.
En los últimos años la película, ambientada en 2022, ha cobrado nueva relevancia al compararse la realidad del presente con la visión distópica propuesta. ¿Estamos tan lejos del futuro imaginado por Richard Fleischer? En muchos aspectos, quizá no.
Sinopsis: en una Nueva York futurista y superpoblada del año 2022, un detective investiga el asesinato de un ejecutivo de la empresa Soylent Corporation, responsable de la producción de un alimento llamado Soylent Green. A medida que avanza la investigación, se revela el sorprendente y escalofriante secreto sobre la verdadera naturaleza de Soylent Green.
EL PLANETA SALVAJE
Título original: Le planéte dauvage
Director: René Laloux
Año: 1973
País: Francia
Curiosa historia de animación realizada en un estilo surrealista y abstracto que crea un mundo hipnótico y desconcertante. Los paisajes alienígenas, las criaturas extrañas y los elementos visuales únicos se combinan para crear una experiencia única visualmente impactante.
La narrativa puede resultar algo confusa en ocasiones y la falta de diálogo directo a veces hace que sea difícil seguir la trama. Sin embargo, logra transmitir sensación de opresión y asombro sobre las que construye una atractiva trama entorno a la búsqueda de la libertad y la lucha por la igualdad. Los temas sociales y filosóficos se entrelazan hábilmente, lo que brinda profundidad a la experiencia.
“El Planeta Salvaje” es una película que desafía las convenciones del cine de animación y se adentra en territorios poco explorados. Su estilo visual único y su enfoque en temas significativos la convierten en una obra que vale la pena contemplar, incluso si su narrativa enigmática puede requerir más de una visualización para ser completamente apreciada. A pesar de su ritmo irregular, ofrece una experiencia fuera de lo común y deja una impresión duradera en aquellos dispuestos a adentrarse en su mundo extravagante y reflexivo.
Sinopsis: En un mundo alienígena llamado Ygam los Draags, una raza tecnológicamente avanzada, tienen a los seres humanos como mascotas llamadas “Oms”. Terr, un Om doméstico lucharápor la libertad y la igualdad, desafiando la opresión de los Draags.
EL PROGRAMA FINAL
Título original: The final programme
Director: Robert Fuest
Año: 1973
País: Reino Unido
Robert Fuest dirigió y escribió el guion de esta particular adaptación de la novela de Michael Moorcock. Ofrece una mezcla única de elementos de comedia negra y surrealismo, en una obra de ciencia ficción experimental.
Situaciones absurdas y extrañas, que incluyen personajes extravagantes, conspiraciones y una trama global con un estilo visual y estético que captura la estética contracultural y psicodélica de la década de 1970. Los sets y la vestimenta son extrambóticos, empleando colores vibrantes y composiciones inusuales para crear un ambiente que refleja la atmósfera excéntrica y a menudo absurda de la historia.
Aunque la trama pueda reaultar en ocasiones incoherente y los personajes poco desarrollados, la experiencia es original y desconcertante. Si te interesan las películas fuera de lo común y con una estética única The final programme es para ti.
Sinopsis: Jerry Cornelius, es un científico excéntrico que se embarca en una búsqueda para completar el “Programa Final”, un experimento que su difunto padre había iniciado. El objetivo es crear una supercomputadora capaz de controlar todos los aspectos de la vida humana.
SUCESOS EN LA CUARTA FASE
Título original: Phase IV
Director: Saul Bass
Año: 1974
País: Estados Unidos
Saul Bass era un diseñador gráfico, especialmente reconocido como creador de títulos de crédito para películas de Hitchcock o de Preminger (Vertigo, Psicosis, Anatomía de un asesinato…). Phase IV, su única incursión como director, es una historia de ciencia ficción con una trama bastante inusual y unas hormigas inteligentes como protagonistas. Las situaciones narradas, cada vez más intensas y perturbadoras, la acercan al terror, sin entrar de lleno en él.
Visualmente es muy llamativa con un uso impresionante de la fotografía macro para capturar a las hormigas en detalle. Sin embargo, no fue un éxito comercial en su lanzamiento, quizá por esa tensión e incomodidad que produce en determinadas ocasiones y un tratamiento que la aleja de las monster movies más alocadas para ofrecer una historia de mayor profundidad e interés.
El aislamiento y la paranoia de los protagonistas se apoya en un ritmo retenido (aunque no lento) que refuerza la opresiva lucha entre científicos y hormigas por el control de la situación. Esta sensación irá en aumento hasta desembocar en un final sorprendente y original.
Bass nos empuja a revisar los conceptos de evolución e inteligencia y el trato que la humanidad brinda a otros seres vivos. A pesar del tiempo transcurrido, Phase IV mantiene intacta la fuerza de su mensaje y es una película altamente recomendable, no solo para amantes del género.
Sinopsis: Un equipo científico investiga la repentina evolución de una colonia de hormigas en el desierto de Arizona. Las hormigas comienzan a formar estructuras geométricas, desarrollando una inteligencia colectiva que rivaliza con la de los seres humanos.
LA ISLA DEL FIN DEL MUNDO
Título original: The Island at the Top of the World
Director: Robert Stevenson
Año: 1974
País: Estados Unidos
La isla del fin del mundo es una historia de aventuras y fantasía para toda la familia con el sello inconfundible de las películas Disney de la época y regusto a la literatura de Julio Verne, aunque en realidad es una adaptación de un relato de Ian Cameron.
Acción, aventura y elementos fantásticos, con paisajes helados y tecnología steampunk dan forma a una película que es toda una delicia para nuestro sentido de la maravilla y capacidad de asombro.
El verterano Stevenson maneja con buen pulso una narración que quizá peca de actuaciones algo irregulares, pero que presenta personajes inolvidables. El paso del tiempo ha hecho mella en el apartado visual, especialmente en cuanto a los decorados, pero los paisajes naturales y la puesta en escena equilibran el conjunto.
En conjunto, la película sigue siendo un gran producto de entretenimiento familiar cuyo sabor añejo puede resultar un atractivo más.
Sinopsis: un grupo de exploradores viajan al Ártico en busca de un científico desaparecido y una mítica isla donde encontrarán un reino vikingo.
EL HOMBRE DE LA MÁSCARA DE ACERO
Título original: Who? (The Man with the Steel Mask)
Director: Jack Gold
Año: 1974
País: Reino Unido
Desde un punto de vista puramente técnico El hombre de la máscara de acero presenta algunas carencias. La caraterización del protagonista y su máscara es poco convincente, sobre todo en planos cercanos, la iluminación es deficiente en varios planos. La dirección de Jack Gold es algo inconsistente con una narrativa fragmentada en la que cuesta distinguir el pasado del presente.
Sin embargo, esta modesta producción logra crear una atmósfera intrigante, mostrando las cuestiones más relevantes acerca de la indentidad personal, la apariencia física o la ética científica planteadas en la novela de Aldis Budrys en la que se basa el guion y que está considerada una obra maestra por algunos críticos del género.
La trama de intriga y espionaje desarrolla el clima de paranoia existente durante la guerra fría y encaja a la perfección con las cuestiones éticas y morales presentes en la historia. Las solidas actuaciones ayudan a dar verosimilitud y mantener el interës de una película que no se convertira en objeto de culto, pero que merece un interés mayor.
Sinopsis: Lucas Martino es un científico que trabaja en un proyecto secreto. Tras sufrir un accidente que lo deja gravemente desfigurado, es sometido a un procedimiento experimental en el que su rostro es sustituido por una máscara de acero. A medida que se adapta a su nueva apariencia, surge la sospecha de que podría haber sido reemplazado por un impostor en una operación de espionaje.
LAS ESPOSAS DE STEPFORD
Título original: The Stepford Wives
Director: Bryan Forbes
Año: 1975
País: Estados Unidos
Con las esposas de Stepford Bryan Forbes llevaba a la gran pantalla la novela homónima del escritor Ira Levin. La historia trata de forma mordaz el feminismo, la autonomía de la mujer y la conformidad social. Son temas que en los setenta empezaban a cobrar bastante protagonismo y que, como sabemos, tomarían cada vez mayor presencia hasta la actualidad.
El diseño de producción captura perfectamente el entorno suburbano idílico de Stepford, con casas pintorescas y jardines impecables. Forbes se toma su tiempo preparando un clima de intriga y misterio en este escenario como marco. La historia no requiere de grandes efectos, pero la transición es sutil y efectiva cuando se desvela que está sucediendo realmente. Para conseguirlo se emplean recursos técnicos como la iluminación, la ambientación el maquillaje o el vestuario.
Quizá se podría haber profundizado algo más en los temas propuestos, pero el ritmo al alza, la interesante banda sonora y las buenas actuaciones hacen que el conjunto final sea más que notable.
Sinopsis: Joana y su familia se mudan a un barrio de la periferia, un lugar aparentemente perfecto. Pronto descubrirá que las otras esposas del vecindario tienen un comportamiento extrañamente sumiso hacia sus maridos.
ROLLERBALL
Título original: Rollerball
Director: Norman Jewison
Año: 1975
País: Estados Unidos
Rollerball recrea un mundo futurista en el que la arquitectura, la tecnología y la ambientación general reflejan una sociedad altamente industrializada, donde las naciones han desparecido en favor de una dictadura de apariencia benevolente, pero opresiva. Esta dictadura está dirigida por grandes corporaciones globales que son dueñas de los equipos de Rollerball, un deporte ultraviolento utilizado como forma de control de la sociedad.
Jewison, un director con olfato para las buenas historias, quedó impresionado por el relato “Rollerball asesino” de William Harrison y lo contrató para que elaborara el guion de esta película.
Los efectos visuales, aunque limitados por las capacidades técnicas de la época, cumplen a la perfección a la hora de representar el deporte del Rollerball y las escenas de acción y violencia gráfica. El resto de componentes de la película están a buen nivel, destacando la convincente actuación de James Caan como Jonathan E. El montaje resalta las relaciones interpersonales y los conflictos, y la banda sonora de André Previn ayuda a crear una atmósfera futurista y opresiva que complementa la narrativa.
Quizá se echa en falta mayor profundidad narrativa y desarrollo de los personajes, pero Rollerball ofrece una crítica afilada a la deshumanización y la manipulación de masas que resulta inquietante y sugestiva.
Sinopsis: en un futuro distópico donde las corporaciones gobiernan el mundo, un deporte extremo llamado Rollerball es utilizado para mantener a la población bajo control y distraída. Jonathan E., jugador estrella de este violento deporte, se convierte en una amenaza para el sistema al cuestionar su autoridad.
SHIVERS
Título original: Shivers
Director: David Cronenberg
Año: 1975
País: Canadá
El siempre interesante, Cronenberg, dirigía esta historia de terror y ciencia ficción que tuvo notoriedad por la provocativa premisa y el estilo distintivo. Con todos los elementos característicos de su cine ya presentes en esta obra, el director da rienda suelta a su obsesión por la relación entre la carne y la tecnología.
“Shivers” es una incómoda y perturbadora representación de la decadencia de la sociedad y la pérdida de control sobre nuestros impulsos más oscuros. Cronenberg utiliza efectos especiales de bajo presupuesto, pero efectivos, para crear una atmósfera inquietante.
La trama se desarrolla en un complejo de apartamentos de lujo, donde un parásito sexualmente transmitido comienza a afectar a los residentes, desencadenando una serie de comportamientos violentos y depravados. Debido a su contenido gráfico y explícito, que incluye escenas de violencia sexual, puede que esta película no sea adecuada para determinada clase espectadores. Sin embargo, Shivers es un aguijonazo que, desde la provocación, incita a reflexionar sobre temas como la deshumanización provocada por la dependencia de tecnología, el control social y la sexualidad o la alienación de la vida urbana moderna.
Sinopsis: En un complejo de apartamentos de lujo, un parásito creado por modificación genética provoca un caos de violencia y depravación entre los residentes.
EL UNICORNIO
Título original: Black Moon
Director: Louis Malle
Año: 1975
País: Francia
Louis Malle demostró su destreza con esta película surrealista y simbólica alejada del tono habitual de sus obras. Ciencia ficción y fantasía caminan de la mano en una sucesión de escenas que forman una historia densa y llena de matices al marjen de la moralidad convencional. En ella encontraremos niños desnudos paseando un cerdo, una anciana que habla con las ratas, una absurda guerra entre hombres y mujeres… y un unicornio.
La fotografía de Sven Nykvist utiliza la luz y la composición de manera creativa para establecer un ambiente onírico y misterioso. Cathryn Harrison asumió el desafiante papel desprotagonista en una película carente del diálogo tradicional en la que las expresiones faciales y el lenguaje corporal son fundamentales. La banda sonora de Diego Masson y Richard Wagner contribuye a la atmósfera extraña de la película y es esencial para mantener la sensación de ensoñación.
El enfoque no convencional de El unicornio puede no gustar a todos los espectadores. Sin embargo, para quienes buscan experiencias cinematográficas fuera de lo común, su potente estilo visual y su narrativa abstracta la convierten en una obra maestra a descifrar.
Sinopsis: Mientras trata de escapar de una guerra, Lily se encuentra con un mundo misterioso habitado por una familia extraña y seres parlantes. En este entorno enigmático, los límites entre la realidad y la fantasía se desdibujarán.
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